Hacer ritmos es una maravilla. Tienes control total sobre tu canción, creando música hermosa con poco más que tu imaginación y un programa de computadora. No es fácil, pero los conceptos básicos de la creación de ritmos son realmente fáciles de aprender.
Pasos
Método 1 de 3: Elaboración de ritmos
Paso 1. Configure un metrónomo o haga clic en la pista para iniciar el ritmo
Por lo general, esta será una pista separada en su software. Dependiendo de qué tan rápido o lento desee que sea la canción, la velocidad del clic se puede dividir en mitades, tercios o cuartos. Puede experimentar si no está seguro.
- La pista de clic ayudará a garantizar que con todas las copias y pegados que haga, la canción se mantenga en el tempo.
- Su tempo variará según el estado de ánimo y el estilo de la canción, y normalmente estará entre 80 y 120.
- Lo más probable es que desactive la pista de clic una vez que haya hecho un ritmo básico; esto es solo una guía en este momento para mantenerlo en el tempo.
Paso 2. Construya el ritmo de la batería antes que nada, mezclándolo con la pista de clic
Los tambores son tu columna vertebral, proporcionando la estructura sobre la que caen todos los demás instrumentos. Por lo general, son lo primero. Dicho esto, no es necesario usar la batería para la percusión: disparos, portazos de autos, golpes de sintetizador, ollas y sartenes, y mucho más se ha utilizado para proporcionar ritmo en canciones de todos los géneros.
- Los ritmos del hip-hop tienen un trío clásico: bombo, caja y charles. Eso es todo. Echa un vistazo a los famosos ritmos de DJ Premier en el álbum Step in the Arena para ver un ejemplo clásico.
- Puede descargar paquetes de batería, que son grabaciones de diferentes sonidos de percusión, para usar en sus canciones de forma gratuita en línea. Busque la batería que desee en un motor de búsqueda, como "Steel Drum Sounds Pack" o "Led Zeppelin Drum Sample Pack".
Paso 3. Use la línea de bajo para establecer una melodía para la percusión
Juntos, el bajo y la batería forman la sección rítmica de cada canción. Mientras que la batería establece el tempo y el ritmo, el bajo se fija en este ritmo e insinúa la melodía, a menudo con líneas simples y bailables. Hay muchas canciones que son casi todas de batería y bajo, así que no ignores el bajo porque es más difícil de escuchar en la mezcla final, es el instrumento que hace bailar a la gente.
- Las líneas de bajo pueden ser simples, como "Memory Lane (Sittin 'in the Park)" de Nas, o complejas, como "Be (Intro)" de Common.
- Una línea de bajo no necesita un bajo, aunque ayudan. Escuche lo que Daft Punk es capaz de hacer con los sintetizadores profundos para ver otro ejemplo.
- La línea de bajo y el bombo (el tambor que suena más profundo) deben combinarse para obtener el máximo efecto. A la mayoría de los productores les gusta alternarlos.
Paso 4. Agregue instrumentos melódicos, sonidos y líneas principales
El bajo y la batería deben ser únicos para que su canción sea única. Aún así, la línea de la melodía es donde la mayoría de las canciones cobran vida y se convierten en nuevos y grandes ritmos. Crea melodías según tu estado de ánimo, usando sintetizadores y sonidos electrónicos para música EDM o techno, trompetas y guitarras para R&B, incluso "sonidos encontrados" extraños de fuentes extrañas (consulta "Windows Media Player" de Charles Hamilton para ver un ejemplo). Las posibilidades son infinitas.
Juegue con los sonidos constantemente; la única forma de descubrir qué suena mejor es probar tantas orquestaciones diferentes como sea posible
Paso 5. Practique el uso de bucles continuos para extender su canción
Looping es tomar al menos un compás de música, como una línea de batería, y repetirlo sin problemas para que suene como si el baterista estuviera tocando exactamente lo mismo en toda la canción. Puede, y debe, repetir todo en bucle, haciendo la sección más pequeña perfecta y luego arrastrándola para ahorrar tiempo y obtener el tempo perfecto para todo el ritmo.
Los bucles geniales no se sienten como bucles, se repiten perfectamente, por lo que suena como si un músico real estuviera tocando el instrumento una y otra vez
Paso 6. Mezcle la canción con un "nuevo" ritmo en las intros, outros y / o middle
Un ritmo directo es genial. Pero la mayoría de las canciones se componen de varios ritmos relacionados, cada uno de los cuales se une para proporcionar emoción y movimiento. Los nuevos ritmos, sin embargo, casi siempre están estrechamente relacionados. Algunas ideas para averías y cambios incluyen:
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Agrega una nueva línea de melodía:
Una nueva muestra, algunas voces breves o la línea de melodía que vuelve a emerger generalmente señalan un "coro" o una sección de acompañamiento del ritmo. Esta suele ser la parte más memorable del ritmo.
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Suelta a un ritmo mínimo:
Dejar solo la batería y el bajo, o incluso solo la batería, es una excelente manera de reducir la energía. A continuación, puede volver a tocar el ritmo para volver a subir la canción y hacer que la multitud se mueva realmente.
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Construyendo y soltando:
Agregue volumen, nuevos instrumentos y batería para aumentar la tensión y la energía, luego salga a una sección grande, baja y bailable.
Paso 7. Piense en la tensión, la energía y el espacio al crear ritmos
Estos son conceptos más nebulosos de composición musical, y cada productor tiene preferencias diferentes. No importa lo que elija, piense en estos tres conceptos para crear ritmos interesantes en capas.
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Tensión:
Encontrado en yuxtaposición, la tensión es lo que empuja la canción hacia adelante. Es la diferencia entre el momento intenso antes de un "drop" en el dubstep y el boom catártico y más lento después del drop; esta diferencia crea tensión, lo que crea canciones más grandes.
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Energía:
¿Cuál es el tempo de la canción? ¿Cómo cambia o evoluciona, y atrae a la multitud? Algunas canciones necesitan toda la energía todo el tiempo, avanzando. Otras canciones se benefician de construcciones lentas, cambios y oscilaciones de energía.
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Espacio:
¿Para qué es el ritmo? Si es para un rapero, es mejor que dejes algunos momentos de casi "silencio" para que puedan salir las palabras. Piense en lo "llenos" que se sienten sus oídos; a veces, lo más simple es bueno, ya que permite que un instrumento brille. A veces necesitas las 30 pistas a la vez.
Método 2 de 3: mejora tus habilidades
Paso 1. Utilice el muestreo para crear la columna vertebral a un ritmo
No siempre tienes que escribir cada melodía o línea de batería tú mismo. Encuentra una parte de otra canción que te llame la atención e incorpórala a tu propia música. Por lo general, es difícil muestrear una canción con batería, por lo que esta parte del ritmo se agregará más adelante. Una vez que haya cargado la muestra en su disco duro, aumente o baje hasta que sea irreconocible de la canción original. El objetivo es crear algo totalmente nuevo. Desde aquí puede cortar y repetir el ritmo como desee.
- Busque sus ritmos favoritos en WhoSampled.com. Se sorprenderá de la frecuencia con la que se utilizan las muestras.
- Aumente y baje el tono, o disminuya y acelere la velocidad de sus canciones favoritas para crear su propia muestra y agregarla a una nueva canción.
- Echa un vistazo a 3 Feet High and Rising o Paul's Boutique para ver ejemplos de la época dorada de la destreza del muestreo.
Paso 2. Escuche a sus productores favoritos con oído para robar sus trucos
La mejor manera de crecer rápidamente es intentar imitar a los profesionales, aprendiendo las habilidades que le darán su propia voz y libertad creativa en el futuro. Puede escuchar a quien quiera siempre que se detenga y piense por qué le gusta tanto y qué ideas puede tomar prestadas o cambiar. Por ejemplo:
- Escucha a famosos DJ Premier muestras de su proyecto musical llamado "Re: Generation". DJ Premier es conocido por su característico sonido scratch y su impecable construcción de canciones.
- Skrillex se destaca por usar muestras de su propia voz. Al usar la sintonización automática, puede cambiar el tono y la velocidad de su voz para que se vuelva casi irreconocible. Su canción "Father Said" incluye muestras de su propia voz autoajustadas, al igual que "Turmoil".
- Pete Rock utiliza muestras para la totalidad de sus canciones. Es conocido por cortar y superponer varias muestras dentro de la misma canción. Es un ávido usuario de trompas y tambores, como se evidencia en su muestra: "They Reminisce Over You (T. R. O. Y.)".
Paso 3. Aprenda a tocar otro instrumento o aprenda teoría musical
Cuanto más sepa sobre música, más fácil será crearla. Desde la tuba hasta el tocadiscos, se necesitan las mismas ideas y habilidades sin importar la música que estés haciendo. Así que esfuérzate musicalmente tanto como puedas; siempre puedes rechazar las ideas si no funcionan.
- Aprenda a tocar un instrumento. Dado que muchos ritmos se hacen con un teclado, el piano es un gran lugar para comenzar.
- Escuche una selección de música tan variada como pueda: los grandes productores sacan provecho de la excelente música sin importar el género.
Paso 4. Experimente, juegue y rompa todas las reglas al hacer ritmos
Haz ritmos de 30 segundos solo para probar un nuevo paquete de batería. Mira un tutorial sobre cómo hacer que una muestra de voz suene como la de Kanye en "School Spirit". Haz una canción sin batería. Como todos los esfuerzos creativos, solo aprendes a ser más creativo probando cosas nuevas. Los conceptos básicos de la creación de ritmos pueden ser obvios, pero debes esforzarte para crear canciones nuevas y únicas.
- Tratar de rehacer los sonidos y los ritmos que amas es una excelente manera de aprender de los maestros.
- Hay miles de tutoriales gratuitos en línea y en YouTube. En caso de duda, búsquelo.
Método 3 de 3: invertir en una carrera de creación de ritmos
Paso 1. Invierta en una computadora potente
Si tienes una computadora más vieja o una que no tiene mucha memoria, esto podría impedir tu creación de ritmos. Por lo general, se considera que las Mac son la mejor opción para las aplicaciones de creación de música y, naturalmente, están orientadas al trabajo creativo desde el primer momento.
- No subestime la importancia de elegir el tipo de computadora con la que se sienta más cómodo. El objetivo es hacer que la creación de ritmos se sienta como una segunda naturaleza, y las computadoras con Windows son más que capaces.
- Busque una computadora que tenga al menos 2 GB de RAM o memoria de acceso aleatorio. Este es un almacenamiento temporal dentro de su computadora que dicta qué tan rápido se ejecuta su computadora.
Paso 2. Encuentre la estación de trabajo de audio digital adecuada para sus necesidades
Un DAW es un programa que se utiliza para editar, mezclar, grabar y masterizar archivos de audio digital. Esto es lo que realmente usará para grabar instrumentos y agregar efectos. Si bien cada software tiene sus ventajas, debe tener en cuenta sus necesidades específicas al elegir uno. Recuerde que su computadora también puede dictar qué DAW puede usar. GarageBand y Logic Studio, por ejemplo, solo están disponibles en computadoras Apple.
- Tenga en cuenta su presupuesto. Es muy probable que esta sea una inversión que utilizará en los próximos años, así que considere si ahorrar unos cientos de dólares adicionales lo ayudará a obtener el software de sus sueños.
- Considere su nivel de experiencia. Pro Tools será difícil de comprender para los principiantes y, si es demasiado abrumador, es posible que te rindas prematuramente. Por otro lado, los creadores de ritmos experimentados pueden no encontrar todas las comodidades si van con un software para principiantes, y aprender Pro Tools o Logic lo lleva a un estado casi profesional una vez que haya superado la curva de aprendizaje.
- Si encuentra tedioso el uso del mouse y se siente más inclinado a usar perillas, faders y botones, entonces deberá comprar un controlador externo o MIDI. Al igual que lo haría su mouse, las perillas de un dispositivo Midi controlan el tono, el tempo, el volumen y más.
Paso 3. Reemplace los parlantes de su escritorio por otros externos
Puede resultarle difícil escuchar la música detallada que está creando sin unos altavoces de alta calidad. Los altavoces del monitor de estudio hacen que sus creaciones musicales suenen lo más precisas posible porque están sintonizadas para una respuesta plana. A diferencia de otros parlantes que tienden a enfatizar los graves o hacer que las notas suenen más completas, estos parlantes serán consistentes y precisos. Sin embargo, esto significa que los altavoces no colorean su creación de ninguna manera, por lo que, si bien es posible que al principio no crea que suena bien, podrá reconocer dónde necesita trabajar.
- Los monitores activos ya incluyen un amplificador incorporado. Además de ahorrarte la necesidad de comprar un equipo externo, este amplificador está hecho para garantizar el mejor rendimiento. Los audiófilos serios, sin embargo, probablemente quieran un receptor o amplificador externo. Si esto suena demasiado complicado, simplemente use un par de parlantes y no se preocupe por el amplificador.
- Quieres altavoces con woofers de al menos cinco pulgadas.
Paso 4. Compre equipo adicional para hacer ritmos
Si bien definitivamente puedes hacer muchos ritmos con poco más que una computadora y parlantes, vas a abrir muchas puertas nuevas si inviertes en equipos de música más precisos. Como mínimo, debe considerar:
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Teclados:
Los teclados le permiten ingresar notas directamente en la computadora. Luego, puede asignar estas notas a cualquier sonido o instrumento que desee, lo que hace que un teclado sea invaluable para la creación de melodías o incluso para tocar la batería (si configura las teclas para sonidos de batería).
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Máquinas de tambor:
Estos le permiten asignar un sonido a un conjunto de pads que luego puede golpear como una batería real.
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Micrófono:
Puede grabar voces o raps, pero también grabar cualquier sonido que oiga para incorporarlo al ritmo.
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Controladores MIDI:
Los controladores MIDI le brindan la capacidad de ajustar el ritmo, la batería, los bucles, el tono y los ritmos con controles complejos pero potentes. Este es el nivel de control preciso necesario para ritmos con sonido profesional.
