La animación es fácil de aprender pero difícil de dominar. Hay tantos estilos de animación como animadores, y comenzar con un cortometraje es una excelente manera de practicar técnicas de animación a medida que desarrolla su estilo "característico". Al igual que cualquier otra película, la animación requiere tiempo, paciencia y mucha planificación para hacerlo bien, pero cualquier persona con una computadora puede hacer un cortometraje animado.
Pasos
Método 1 de 3: Realización de un animático (preproducción)
Paso 1. Escribe un guión
A menudo, es más fácil decirlo que hacerlo, pero debe escribir sus ideas con claridad y estructurarlas antes de comenzar a trabajar. A diferencia de la acción en vivo, es casi imposible "improvisar" una película animada, ya que simplemente lleva demasiado tiempo animarlo todo. Puede usar un documento de Word simple o un software de escritura de guiones como Celtx, Writer Duets o Final Draft. Su secuencia de comandos no necesita diálogo, pero necesita:
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Un tema.
¿Cuál es el "punto" del cortometraje? Esto no tiene por qué ser grandioso, profundo o complicado. Puede ser cualquier cosa, desde "la pérdida de la inocencia infantil" o "el aburrimiento es un estado mental", hasta "quiero hacer reír a la gente con esta broma". Piense en ello como un principio rector para su película.
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Caracteres.
¿Qué llamará la atención de su audiencia? Puede ser cualquier cosa, desde una persona o un animal hasta una línea ondulada, como el cortometraje ganador del Oscar "The Dot and the Line: A Romance".
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Visuales.
¿Dónde tiene lugar el corto? ¿Cuál es el estado de ánimo o la atmósfera? Un guión debe contar la historia del cortometraje en su totalidad para que pueda usarse como modelo para el trabajo futuro.
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Un principio, un medio y un final.
Esto suena obvio, pero ese es el punto: casi todas las historias se cuentan en tres partes o actos específicos y delineados. Esto no significa que deba tener una historia de tres actos, o incluso "personajes". Sin embargo, es necesario pensar en la "acción" del cortometraje antes de seguir adelante.
- El primer acto presenta a los personajes y un problema (tienen hambre, el mundo se acaba, el chico está enamorado de alguien, etc.)
- El segundo acto complica la historia / problema (todas las tiendas están cerradas, el malo puede ganar, la persona ya tiene novio, etc.).
- El tercer acto proporciona resolución al problema (encuentran una tienda de sándwiches, salvan el mundo, el niño conoce a otra persona, etc.)
Paso 2. Dibuja modelos de personajes
Antes de comenzar a animar, debes saber cómo se verán tus personajes. Dibuja una variedad de poses, disfraces y expresiones para tener una idea de cómo se verán. Recuerda que un personaje puede ser cualquier cosa en una película animada, desde un oso hasta un par de saleros y pimenteros. Aún así, debes desarrollar a tus personajes con anticipación para que se vean consistentes cuando los animes.
Paso 3. Elabora un guión gráfico
Los guiones gráficos son dibujos individuales para cada parte de la acción en el guión y se utilizan en la producción de casi todas las películas, animadas o no. Ambos son simples y completos, ya que necesita uno para cada cambio que desee en la película. Sin embargo, no necesitan detalles o colores de fondo, a menos que sea esencial para la historia. Puede buscar e imprimir una variedad de plantillas gratuitas de guiones gráficos en línea o dibujar las suyas propias. Cada fotograma del guión gráfico tiene dos partes:
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La imagen:
En un cuadro rectangular, dibuja la acción principal de la toma, ignorando por ahora las imágenes de fondo. También puede dibujar notas o flechas para indicar movimiento.
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El diálogo.
Debajo de la toma, escriba lo que se debe decir en la toma, la duración propuesta de la toma y cualquier efecto (acercamiento, cámara temblorosa, etc.)
Paso 4. Importe su guión gráfico a un programa de realización de películas, guardando cada fotograma individualmente
Una vez que haya planeado sus tomas, impórtelas a su computadora. Asegúrese de nombrarlos apropiadamente (Act1. Scene1. Shot1.jpg, por ejemplo). Cuando hayas terminado, impórtalos todos en tu software de edición de películas (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) y colócalos en el orden correcto.
Adobe AfterEffects o Premier se consideran los estándares de la industria, pero puede usar cualquier programa con el que se sienta más cómodo
Paso 5. Utilice su guión gráfico para hacer una presentación de diapositivas cronometrada o animática
Los animáticos son los cortes preliminares de la animación: combinan el ritmo y el ritmo del corto y le permiten obtener el momento adecuado para su corto final. Esto suena complicado, sin embargo, en realidad son solo presentaciones de diapositivas con el tiempo adecuado. Ponga las imágenes del guión gráfico en orden en su software de edición y extiéndalas, córtelas y juegue con ellas hasta que tenga un corte "preliminar" de la película final.
- Puede encontrar ejemplos de animaciones en línea, como la animática del video musical "Feel Good Inc." así como algunas animaciones de Pixar.
- Casi todas las películas animadas se convierten primero en animaciones. De lo contrario, corre el riesgo de pasar horas animando por completo una escena que debe cambiar, alargarse o acortarse, o eliminarse.
Paso 6. Agregue el diálogo y los efectos de sonido y ajuste la sincronización de la animación según sea necesario
Una vez que tenga el tiempo aproximado, es hora de pregrabar el diálogo. Esto no tiene por qué ser perfecto, e incluso puede simular los efectos de sonido con la boca y las manos si lo desea. Lo que importa es el momento. ¿Tiene suficiente tiempo en la "toma" para sacar todas las palabras? Amplíe o acorte la longitud de sus diapositivas según sea necesario.
Cuanto más se acerque el diálogo a la perfección, mejor, ya que la mayoría de las buenas interpretaciones de voz requieren una sincronización adecuada. Dicho esto, ahora no es el momento de preocuparse por los detalles más finos de la actuación de voz. Debes reunir tu animatic antes de pasar a la producción completa
CONSEJO DE EXPERTO
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Paso 7. Revisa tu animática como si fuera la película final
El animatic final debe contar la historia completa de tu película, menos los adornos de color, fondos y detalles.
Si tiene conocimientos de edición de video, puede agregar panorámicas, zoom y transiciones ahora mismo para probarlos antes de la edición final
Paso 8. Considere la posibilidad de comprar una tableta
Las tabletas son pequeñas almohadillas de computadora que vienen con un lápiz electrónico, lo que le permite "dibujar" directamente en su computadora. Dibujar bien con un mouse es casi imposible y, a menos que planee proyectos pequeños o trabajo en cuadro, es casi seguro que necesitará una tableta.
Método 2 de 3: animación de su película (producción)
Paso 1. Determine su medio de animación
Esto generalmente depende de su experiencia y hardware. Por ejemplo, es muy difícil, si no imposible, para un principiante con una computadora más vieja hacer animaciones 3D como Pixar. Hay muchos, muchos programas y estilos de animación, y todos ellos tienen complejidades y técnicas exclusivas del software.
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Animación 2D:
Este es el estilo clásico de dibujos animados dibujados a mano. Los personajes son dibujos de líneas planas. Originalmente, se dibujaban cuadro por cuadro, pero ahora hay una variedad de software que hace que el proceso sea mucho más rápido, como Synfig, Pencil2D, ToonBoom o incluso Adobe Photoshop. Tradicionalmente, utiliza 12-24 dibujos por segundo de película.
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Animación 3D:
Al igual que los modelos utilizados en videojuegos y películas como Toy Story y Shrek, la animación 3D es mucho más difícil de dominar. Usted crea modelos de los personajes y codifica el movimiento en ellos, haciendo de la animación 3D una especie de híbrido artístico / de codificación. También necesitas agregar iluminación y texturas. Se puede usar software 3D, pero lleva mucho tiempo y requiere software como AutoDesk, Poser Pro, Aladdin o Sketchup. La mayor parte de la animación 3D es el resultado de la colaboración de grandes equipos.
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Stop-Motion:
Tan simple que cualquiera puede hacerlo, el stop-motion es cuando usas figuras o dibujos de la vida real y tomas una foto después de cada pequeño movimiento. Cuando las imágenes se reproducen una tras otra a alta velocidad, parece movimiento. Sin embargo, lleva mucho tiempo, ya que a menudo se necesitan más de 12 fotos por segundo de metraje para que se vea fluido. Puede usar recortes, modelos de arcilla, dibujos individuales o personas reales para hacerlo.
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Rotoscopia:
Una forma de animación de nicho que se encuentra en películas como A Scanner Darkly, la rotoscopia se anima sobre películas filmadas convencionalmente. Necesitará una tableta y revisará el metraje cuadro por cuadro, utilizando el video en vivo como guía para dibujar los personajes. El resultado es un aspecto realista, pero aún animado.
Paso 2. Dibuja tus fondos
Comience con su configuración, ya que los personajes se superponen a ellos. El fondo debe ser todo aquello con lo que los personajes no interactúen, ya que todo lo que se mueva necesita ser animado. El fondo debe ser un dibujo grande y escaneado en alta resolución. Esto le permite "acercar" ciertas secciones sin distorsión. Por ejemplo, si tienes dos personajes hablando en un café, querrás dibujar todo el café detrás de ellos. Pero es posible que desee que la "cámara" se enfoque en cada personaje mientras hablan individualmente. En lugar de volver a dibujar el fondo detrás de él, puede copiar y pegar una sección más pequeña de su fondo detallado para "primeros planos".
Paso 3. Dibuja, modela o diseña tus "poses clave"
" ¿Cuáles son las poses esenciales de tus personajes, o acciones definitorias que hace cada uno, en la escena? Piense en ellos como los "destinos" de cada movimiento. Tomemos, por ejemplo, un personaje que se prepara para recibir un puñetazo. Puede dividir esto en tres "poses clave", cada una de las cuales debe dibujarse y guardarse por separado.
- Postura clave 1 = Descanso. Puede ser una cara de sorpresa, enojo o determinación, o simplemente el personaje con las manos a los lados.
- Pose clave 2 = liquidación. ¿Cómo el personaje levanta el brazo hacia atrás? No te preocupes todavía por el movimiento para llegar a esta posición, solo sácalos con el brazo hacia atrás y listo para soltar.
- Postura clave 3 = Seguimiento. ¿Dónde termina el personaje justo después del puñetazo? Su brazo quedará expuesto y es probable que su cuerpo lo siga. Nuevamente, desea la pose final, no los marcos a medida que pasa la mano.
- Cuantas más poses clave dibujes, más complejo será el movimiento. Por ejemplo, puede agregar fotogramas clave para que el personaje parezca sorprendido, forme un puño, deje caer el codo, balancee el brazo, golpee y luego gire en el seguimiento.
Paso 4. Dibuja los marcos "intermedios"
Tome el punzón, por ejemplo: ¿cómo se pasa de una tecla a otra? Hay un software avanzado que hará esto por ti; una vez que hayas creado modelos de personajes, el software "renderizará" el movimiento intermedio para ti. Sin embargo, si recién está comenzando, es probable que deba dibujar sus propios marcos a mano. Cuantos más fotogramas dibuje, más fluida se verá la acción.
- Puede ser útil poner los fotogramas clave en la pantalla como guías. Esto te ayuda a ver dónde necesitas conseguir los personajes y dónde empezaron.
- Si algo no se mueve, no se moleste en volver a dibujar. Copie y pegue el fotograma clave, borre la parte que debe moverse y mantenga todo lo demás donde estaba.
Paso 5. Compón el metraje
El compostaje es solo una forma elegante de describir cómo encadenar la película. Esto puede ser tan simple como ordenar todos los fotogramas para stop-motion o tan complicado como renderizar un modelo 3D con una iluminación precisa. Nuevamente, su método de animación determinará cómo compondrá algo:
- Para los animadores 2D, la composición consiste en hacer que el movimiento se vea fluido. El software como ToonBoom hará esto por usted y se le puede llamar "renderizado".
- Para los animadores 3D, sepan que esto lleva mucho tiempo. Los efectos de iluminación y las texturas son difíciles de programar, e incluso las computadoras más rápidas pueden tardar horas en componer un video.
- Para los animadores de stop-motion, debe jugar con la longitud del cuadro, ajustando las tomas en una décima o centésima de segundo para obtener un movimiento suave y fluido.
Método 3 de 3: acabado de la película (posproducción)
Paso 1. Grabe cualquier diálogo para la película final
Ahora que tiene la animación casi terminada, es hora de que las voces sean las correctas. Tus actores de voz pueden ver la escena final, las expresiones de sus personajes y el tiempo que deseas en tu toma final. Esto les permite a ellos (oa usted) ofrecer la mejor interpretación vocal.
Tenga en cuenta que, en este punto, cualquier cambio en la animación puede llevar mucho tiempo. Esta es la razón por la que una preproducción cuidadosa es esencial para una película animada de cualquier duración
Paso 2. Agregue efectos de sonido cuando sea apropiado
Los efectos de sonido deben venir después de los actores de voz y sintonizados al volumen apropiado donde no dominen el diálogo. Hay algunas excepciones a esta regla, por supuesto. Por ejemplo, si hay una explosión a la que los personajes necesitan reaccionar, puede ser mejor ponerla primero, antes de grabar el diálogo. Esto ayuda a los actores a reaccionar.
La mezcla de sonido es una forma de arte importante y sutil. Invierta en un buen par de auriculares y / o parlantes para ajustar correctamente todos los volúmenes
Paso 3. Corte la película en su visión final
Ahora que tienes toda la película junta, ¿cómo se mantiene? Lo más probable es que algunas de las transiciones se sientan torpes y una escena o dos dure más de lo debido. Al igual que editaría cualquier película de acción en vivo, debe poner un ojo crítico en su pieza animada y pulirla hasta que brille. Si bien no existe una forma "correcta" de editar una película, hay un par de principios a tener en cuenta:
- ¿Alguna escena se siente rápida y esencial? ¿Te sientes comprometido todo el tiempo? ¿Una línea o plano específico ayuda a hacer avanzar la historia o el tema? Si la respuesta a cualquiera de estas preguntas es no, comience a recortar. A menudo, la primera y la última línea de diálogo no son esenciales, ya que saltar directamente dentro o fuera de una escena suele ser más atractivo. Cada fotograma cuenta al editar.
- Mire la película con alguien que esté alejado del proyecto. ¿Hubo partes que se aburrieron? ¿Algo los confundió o necesitó más tiempo? ¿Cómo puedes recortar y recortar tu historia para que sea lo más fascinante posible?
- ¿Cómo fluye la escena? A veces, 2-3 segundos de metraje de fondo ayudan al espectador a recuperar el aliento y sumergirse en la siguiente escena antes de que comience el diálogo.
Paso 4. Agregue sus toques pulidos, como efectos, transiciones y corrección de color
Por ejemplo, si desea un tinte sepia antiguo para su película, agréguelo al final. Este tipo de pequeños cambios son innecesarios mientras recorta, corta y crea su película. Además, serán inútiles si cortas la escena o cambias el esquema de color. Todos estos pequeños toques deben ser los últimos, una vez que esté seguro de que la "carne" de la película está lista.
- Agregue barridos, disoluciones o fundidos a las transiciones de escena.
- Agregue filtros o efectos sobre el metraje terminado.
- Agregue títulos y créditos al principio y al final según sea necesario, al final.
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Consejos
- Trabaje en pequeños trozos para obtener los mejores resultados (una escena, una acción, etc.) y luego constrúyalos juntos más tarde.
- Tómate tu tiempo en la preproducción. Le ahorrará muchos dolores de cabeza más adelante.
- Haga una película de prueba, no más de 20-30 segundos, si recién está comenzando con un nuevo software. Esto le ayuda a aprender el programa y los desafíos antes de sumergirse en su visión.
